Le profil d’une femme, le visage tourné vers le ciel, émerge d’un arrière-plan urbain abstrait aux nuances de bleu-gris et de rouille. Ses cheveux jaillissent en mèches et en touches de jaune, d’orange, de bleu, de rouge et de noir, symbolisant l’énergie et la vie. Son collier, ses vêtements et sa boucle d’oreille — réalisés à partir de canettes jetées et transformées en perles argentées en relief — transforment les déchets en bijoux. L’œuvre célèbre la force, la dignité et la capacité des femmes à transformer n’importe quoi en beauté.
Cette œuvre en techniques mixtes rend hommage à la beauté, et au pouvoir créatif des femmes. La figure féminine, incarne la grâce, l’intuition et le rayonnement spirituel.
Année : 2026
Techniques mixtes sur toile (acrylique et assemblage métallique en relief)

Le tableau met en scène une figure monumentale, coiffée d’une haute mitre blanche ornée de coquillages cauris et au visage voilé de mystère, qui domine la toile. Sa cape en patchwork — jaune, verte, rouge et bleue — évoque les tissus rituels d’Afrique de l’Ouest. Sur un fond abstrait gris-bleu, griffonné et strié, une multitude de silhouettes noires symbolisent les ancêtres et la mémoire collective trouve un équilibre entre figuration ornée et abstraction gestuelle, entre le sacré et la transmission de la tradition.
Année :2026
L’œuvre d’ERiC Hedible
Acrylique et gouache sur toile · Abstrait et figuratif

Dimensions : 80 x 80 cm
Année :2021
Technique : Technique mixte sur toile (matières, reliefs et pigments)
Note de l'artiste / Démarche conceptuelle
« Cette œuvre lève le voile sur l'intimité sacrée et la réalité organique de nos couvents lors des rituels d'immolation. Lorsque le sacrifice s'accomplit, que le sang est versé sur l'autel et que les plumes y sont déposées, un phénomène fascinant se produit : les premiers bénéficiaires de cette offrande ne sont pas les humains ni les prêtres, mais les mouches, les lézards et les reptiles.
Loin d'être une nuisance, le rassemblement de ces créatures autour du fétiche est hautement symbolique. Dans la cosmogonie traditionnelle, leur arrivée immédiate est le premier signe tangible de la présence des esprits. Ce ballet de "profiteurs" terrestres devient ainsi le messager de l'invisible : ce sont eux qui matérialisent le succès du rituel, l'agrément et l'acceptation de l'offrande par les ancêtres et les divinités. »

Dimensions : 0,23/0,31
Technique : acrylique et crayon sur papier cartons
ERIYOMI.
Année :2025

Cette sculpture murale en bas-relief est un hommage vibrant à l'un des plus grands symboles de la souveraineté et de la résistance africaine : le Roi Béhanzin du Dahomey. Surnommé Kondo le Requin, il avait choisi cet emblème pour signifier qu'il défendrait son royaume contre l'envahisseur avec la férocité et la détermination d'un requin protégeant ses eaux, déclarant : « Le requin ne capitule pas ».
Façonnée avec minutie sur une pièce de bois longiligne, l'œuvre d'ÉRIYOMI capture toute la tension et la puissance du prédateur sacré. Le travail des textures sur le corps du requin évoque à la fois les scarifications rituelles et la fluidité de l'eau. Le regard, marqué par un éclat rouge vif, symbolise la vigilance éternelle, le feu de la résistance et l'esprit des ancêtres qui ne dort jamais. Plus qu'une œuvre décorative, c'est une pièce de transmission historique et mémorielle inscrite dans la matière.

Dan Dokounon
Sculpture colonaire anthropomorphe réalisée par l'artiste ÉRIYOMI en 2026.
Dimensions : 172 cm (Hauteur) x 40 cm (Largeur) x 42 cm (Profondeur).
Matériaux : Bois, fer, assemblage de tissu jean de récupération et peinture à l'argile.
Cette œuvre monumentale incarne la divinité Vodoun Dan, l'esprit de la prospérité, de l'abondance et des mystères bienfaisants. À travers cette silhouette humaine et totémique, l'artiste explore la relation intime entre l'homme et le sacré : une alliance fondée sur le respect des interdits et des préceptes divins qui, lorsqu'ils sont mis en pratique, transforment radicalement l'existence en y installant un bonheur durable.
La face avant de la sculpture dévoile une architecture symbolique fascinante :
L'encagement du Nokoumia : Au sommet et à la base de la colonne, l'artiste a sculpté des cages laissant entrevoir une couleur rouge intense. Ce rouge symbolise le Nokoumia — les difficultés, les blocages et les souffrances de la vie. L'œuvre montre ainsi la puissance de Dan qui, pour faire triompher le fidèle, enferme et maîtrise ces épreuves.
Les Colis de Bienfaisance : Entre ces cages sont disposés de multiples talismans en relief. Ce sont des colis mystiques renfermant tout ce que l'homme désire de bon sur cette terre : la chance, la paix et l'accomplissement.
Le Symbole des Kori (Cauris) : Au centre, un losange noir incrusté de signes de cauris s'impose comme l'emblème absolu de la fortune, de l'argent et de l'or.
La face arrière de l'œuvre prolonge et complète cette promesse divine. Alignés verticalement, on y retrouve une succession de colis sacrés. Cette disposition bilatérale exprime une vérité spirituelle profonde : lorsque l'esprit Dan entre dans une vie, il apporte le bonheur à gauche comme à droite, devant comme derrière. L'homme est ainsi enveloppé par la bénédiction — qu'il s'agisse du travail, de la fertilité (les enfants) ou de la réussite matérielle.
Habillée d'une texture brute d'argile qui rappelle les autels ancestraux, Dan Dokounon est une œuvre de guidance et de protection, rappelant avec force que la lumière divine finit toujours par emprisonner les ténèbres de nos épreuves.

Entente
​Sculpture double monumentale réalisée par l'artiste ÉRIYOMI en 2021.
Dimensions : 217 cm de hauteur, 60 cm de largeur et 40 cm de profondeur.
Matériaux : Bois de récupération et acrylique sur fer.
​Cette œuvre magistrale est une célébration de l’harmonie, de la complicité et de la communion profonde entre deux êtres. À travers la verticalité saisissante de ces deux silhouettes qui s'élancent à plus de deux mètres de hauteur, l'artiste matérialise le concept universel de l'entente — qu'elle soit au sein d'un couple, d'une famille ou d'une communauté. C'est l'affirmation que la véritable force réside dans la capacité à marcher ensemble dans la même direction, tout en respectant l'individualité de chacun.
​L'œuvre met en scène deux figures stylisées, sculptées côte à côte avec une pureté et une sobriété remarquables. Leurs profils lisses et minimalistes évoquent la clarté d'esprit et l'écoute mutuelle. Le génie de la sculpture réside dans le traitement de sa partie inférieure : à partir de la taille, les deux corps fusionnent visuellement à travers un jeu de rainures et de torsades sculptées en spirale dans le bois. Ces mouvements en hélice symbolisent le croisement des destins, le dialogue des âmes et l'entrelacement des énergies. Comme deux arbres dont les racines se mêlent pour mieux résister aux tempêtes, ces personnages s'unissent par la base pour construire une stabilité inébranlable.
​En alliant la noblesse organique du bois à la structure rigide de l'acrylique sur fer pour son maintien, l'artiste crée un équilibre parfait entre douceur et solidité. "Entente" s'impose ainsi comme un totem moderne de paix et de fraternité, un miroir offert à notre société pour rappeler que l'écoute, le soutien mutuel et la synergie sont les clés fondamentales de toute réussite humaine et spirituelle.

Dimensions : 0,23/0,31
Technique : acrylique et crayon sur papier cartons
ERIYOMI.
Année :2025

🖼️ DÉTAIL DES 5 ŒUVRES DE LA SÉRIE
Vodoun Atchinan
Danse Adjogan
L'Initiation aux Couvents Vodoun
La Danse du Masque Guèlèdè
La Danse Sakpata
💡 DÉMARCHE ARTISTIQUE
Riche Patrimoine est une immersion poétique au cœur des traditions, des rythmes sacrés et de la mémoire spirituelle du Bénin. À travers un trait expressif et vibrant associant l'acrylique, le pastel et le stylo Bic sur du papier rame recyclé, ÉRIYOMI immortalise les expressions vivantes de la culture ancestrale : la puissance des divinités Vodoun (Atchinan, Sakpata), la grâce solennelle des danses royales et cérémonielles (Adjogan, Guèlèdè), et le mystère du passage rituel dans les couvents.
• Achat à l'unité (par tableau) :150.000f
• Année : 2022
• Support : Technique mixte (Acrylique, pastel, crayons et stylo Bic) sur papier rame recyclé (format A4)
• Présentation : Œuvres sous cadres vitrés (42{,}5 \times 32{,}5\text{ cm})

Les Cérémonies Mémoriales met en lumière l'équilibre fondamental et la complémentarité sacrée du masculin et du féminin dans la vie rituelle et la mémoire ancestrale du Bénin.
L'œuvre rend hommage à la puissance discrète mais capitale des femmes et des déesses :
La Dualité Sacrée : Même si certaines coulisses rituelles restent réservées aux hommes, la présence de la femme et des divinités féminines demeure la clé de voûte indispensable à la sacralisation des cérémonies.
L'Entente et l'Union : L'harmonie visuelle entre les silhouettes stylisées, les bandes textiles et les textures sacrées rappelle que la réussite des rituels repose sur l'unité et la cohésion de toute la communauté.
Année :2021
•Technique : Technique mixte (Collage de textile/jute, matières, pigments et acrylique sur toile)

Dans cette toile majeure, ÉRIYOMI réinvente le symbole historique du drame de la traite pour en faire un monument d'émancipation et d'espoir. La tragique « Porte du Non-Retour » devient ici « La Porte du Retour », marquant le basculement d'un passé douloureux vers la liberté retrouvée.
L'œuvre s'articule autour d'une écriture plastique engagée :
La cage défoncée et les chaînes brisées : Les quadrillages ouverts et les maillons rompus proclament la fin de la captivité et l'avènement de la délivrance.
Les traits de comptage : Ils mesurent le temps qui s'est écoulé, rappelant la patience et la résilience nécessaire à la libération.
Les ponctuations et silhouettes : Les constellations de points et les figures schématiques incarnent le peuple en marche.
La Porte du Retour est un hymne à la mémoire, à la dignité et à la souveraineté retrouvée du peuple béninois et de sa diaspora.
Année :2021
• Technique : Technique mixte (Collage de textile/jute, acrylique et matière sur toile)

Cette peinture abstraite de grand format, intitulée « La porte du retour en toute sécurité vers la patrie », est une œuvre abstraite de grande envergure qui associe l’acrylique, la gouache et l’huile. L'œuvre explore les thèmes du déracinement et de la mémoire en établissant un pont visuel entre le passé de la traite transatlantique des esclaves représenté par la Porte du non-retour à Ouidah et un navire négrier et le présent, symbolisé par un avion moderne qui incarne le retour volontaire, la guérison et le renouement avec les terres ancestrales.
Année :2026

Il y a des bons et des mauvais moments dans la vie d’une personne »,
cette peinture explore avec brio la dualité de la condition humaine. Entre l’éclat lumineux des teintes jaunes symbolisant les moments de prospérité et la profondeur terreuse des bruns évoquant les épreuves de la vie, le personnage central, fragile, incarne notre quête d’équilibre face aux cycles du destin. Une œuvre d’art unique et vibrante, destinée à illuminer votre intérieur et à inspirer la réflexion.

Technique : peinture acrylique, gouache et 🫟
Année :(2026)

Cette œuvre de Ramia Chidiac, réalisée en 2026 mêlant acrylique et huile, est une représentation captivante et quasi-totémique de la faune sauvage.
Description précise:
Le tableau met en scène un oiseau majestueux perché sur une branche sombre, se détachant sur un fond vert amande texturé. L'artiste utilise un contraste saisissant entre :
L'ornementation : Une huppe monumentale composée de plumes rayées noir et blanc, évoquant des rayons ou une parure tribale, qui entoure des yeux circulaires hypnotiques.
La texture : Le corps de l'oiseau, dans des tons orangés et ocres, présente des touches de peinture épaisses qui donnent du relief aux plumes, tandis que la queue s'étire en motifs géométriques rythmés.
Le regard : L'oiseau possède un petit bec crochu et un œil latéral noir, lui conférant une expression de vigilance sereine au cœur de cette explosion visuelle.
Ce titre évoque à la fois la noblesse de la posture de l'oiseau et l'aspect protecteur ou sacré de sa coiffe

Cette œuvre mêle peinture figurative et objets réels pour créer une composition riche en symbolisme et en spiritualité. Elle illustre une fusion entre l'identité ancestrale et la mémoire collective sonore.
cette création peut être interprétée comme une célébration de la transmission et de la lignée.
Les disques vinyles, disposés en coiffe majestueuse autour de la tête de la femme, ne sont plus de simples objets technologiques. Ils deviennent des auréoles vibratoires. Ils symbolisent les voix des ancêtres, les rythmes de la terre et la « voix » des traditions qui continuent de résonner à travers les générations. Le personnage féminin, aux yeux clos dans une expression de sérénité ou de transe méditative, semble écouter une musique intérieure. Ses scarifications et ses parures rituelles soulignent son lien sacré avec ses origines.Le fond en tissu aux motifs géométriques et colorés ,crée une structure ordonnée qui évoque l'équilibre de l'univers et la place centrale de la femme comme gardienne de la culture et de la vie.
Cette œuvre s'inscrit dans une démarche de renaissance picturale africaine, où l'artiste utilise des matériaux contemporains pour exprimer des concepts immatériels et éternels.

Description de l'œuvre :
Cette œuvre est un portrait de zèbre vibrant et texturé, utilisant la technique de l'upcycling avec des tissus africains (Kinté et Wax).
Voici une description précise de la pièce :
Composition et Matériaux
Le Sujet : Un zèbre représenté de trois-quarts, dont les rayures naturelles sont remplacées par une mosaïque complexe de fragments de tissus.
Les Tissus : L'artiste utilise des chutes de tissus Kinté (aux motifs géométriques tissés) et de Wax aux couleurs éclatantes (bleu, orange, jaune, vert). Ces morceaux sont assemblés pour structurer l'anatomie de l'animal, créant un pelage multicolore et dynamique.
Les Contours : Des lignes de peinture blanche épaisse délimitent la silhouette de l'animal, ses oreilles et ses traits faciaux, apportant du contraste et de la clarté face à l'explosion de motifs internes.
L'Arrière-plan : Un fond gris anthracite, sombre et sobre, qui fait ressortir la luminosité des textiles recyclés. Sur la gauche, des formes végétales stylisées en tissu suggèrent la savane.
Analyse Artistique
Réinvention du Zèbre : En remplaçant le noir et blanc iconique du zèbre par une multitude de couleurs et de motifs culturels, l'artiste célèbre la diversité et la richesse de la faune africaine.
Engagement Écologique : L'utilisation de matières recyclées souligne la volonté de l'artiste de transformer des déchets textiles en une œuvre d'art noble, sensibilisant à la protection de la nature sauvage.

Fusil de chasse
92 cm/30cm
Description de l'œuvre :
Cette œuvre est un bas-relief original et engagé, utilisant l'accumulation de matériaux de récupération pour créer un contraste frappant entre l'objet représenté et son message environnemental.
Voici une description détaillée de la pièce :
Composition et Matériaux
Le Sujet Central : Un fusil de précision avec lunette de visée occupe le centre de la composition. Sa silhouette noire est entièrement façonnée à partir de corps de briquets jetables noirs, minutieusement assemblés pour imiter la structure métallique et plastique de l'arme.
La Crosse : Contrairement au reste du fusil, la crosse est réalisée avec des briquets peint de couleur marron clair, simulant ainsi l'aspect du bois traditionnellement utilisé pour cette partie.
L'Arrière-plan : Le fond est une mosaïque de couleurs rappelant un motif de camouflage (vert, marron, jaune, gris). Cette surface est parsemée de nombreuses empreintes d'animaux (ongulés, félins, oiseaux), créant un lien direct entre l'arme et la faune sauvage.
Analyse Thématique
L'utilisation de briquets jetés dans la nature pour représenter une arme de chasse est une métaphore puissante :
Double Menace : L'œuvre suggère que la pollution par le plastique (symbolisée par les briquets) est une arme tout aussi destructrice pour la biodiversité que le fusil lui-même.
Recyclage Artistique : En transformant des déchets non biodégradables en art, l'artiste dénonce la surconsommation et l'impact de l'homme sur les écosystèmes représentés par les traces de pas.
C'est une pièce qui force à la réflexion sur notre empreinte écologique et la manière dont nos objets du quotidien peuvent devenir des outils de destruction silencieuse pour la nature.

Cette œuvre d'art célèbre l'extase de l'instant présent et la pureté de la joie enfantine à travers un prisme spirituel.
Voici l'essence mystique de cette peinture :L'éveil du cœur : Le visage central exprime une félicité absolue. Ses bras grands ouverts forment un pont entre la Terre et le Ciel, symbolisant une gratitude infinie et une connexion totale avec l'Univers.L'illusion de la matière : L'utilisation du noir et blanc pour le corps de l'enfant transcende la réalité physique. Elle suggère que l'âme pure n'est pas définie par la couleur de peau ou les conditions matérielles, mais par sa lumière intérieure. La transmutation : Le pneu, simple déchet industriel, devient un véhicule de liberté et d'élévation. L'enfant transforme la pauvreté apparente en une richesse émotionnelle et divine absolue.Le chemin de la vie : La piste de terre rouge représente le parcours terrestre. Au loin, d'autres âmes avancent, rappelant que la joie est un choix accessible à chaque étape de notre voyage spirituel.

TABLEAUX BLEU

À travers cette œuvre vibrante réalisée à l’acrylique sur toile en 2023, l’artiste nous invite à réfléchir à la résilience et à la dignité humaine, en saisissant avec force l’essence même de ceux que nous oublions trop souvent. Avec une sensibilité rare, l’artiste explore le quotidien des enfants des rues. Entre ombre et lumière, le jeu des couleurs — dominé par un bleu profond qui contraste avec l’éclat flamboyant du perroquet et les teintes chaudes du personnage central — met en valeur la résilience et la dignité de ces jeunes vies. Une composition puissante qui invite à la réflexion et à l’empathie. Une œuvre saisissante, idéale pour apporter âme et profondeur artistique à votre collection.