Cette œuvre de Ramia Chidiac, réalisée en 2026 mêlant acrylique et huile, est une représentation captivante et quasi-totémique de la faune sauvage.
Description précise:
Le tableau met en scène un oiseau majestueux perché sur une branche sombre, se détachant sur un fond vert amande texturé. L'artiste utilise un contraste saisissant entre :
L'ornementation : Une huppe monumentale composée de plumes rayées noir et blanc, évoquant des rayons ou une parure tribale, qui entoure des yeux circulaires hypnotiques.
La texture : Le corps de l'oiseau, dans des tons orangés et ocres, présente des touches de peinture épaisses qui donnent du relief aux plumes, tandis que la queue s'étire en motifs géométriques rythmés.
Le regard : L'oiseau possède un petit bec crochu et un œil latéral noir, lui conférant une expression de vigilance sereine au cœur de cette explosion visuelle.
Ce titre évoque à la fois la noblesse de la posture de l'oiseau et l'aspect protecteur ou sacré de sa coiffe

Cette œuvre mêle peinture figurative et objets réels pour créer une composition riche en symbolisme et en spiritualité. Elle illustre une fusion entre l'identité ancestrale et la mémoire collective sonore.
cette création peut être interprétée comme une célébration de la transmission et de la lignée.
Les disques vinyles, disposés en coiffe majestueuse autour de la tête de la femme, ne sont plus de simples objets technologiques. Ils deviennent des auréoles vibratoires. Ils symbolisent les voix des ancêtres, les rythmes de la terre et la « voix » des traditions qui continuent de résonner à travers les générations. Le personnage féminin, aux yeux clos dans une expression de sérénité ou de transe méditative, semble écouter une musique intérieure. Ses scarifications et ses parures rituelles soulignent son lien sacré avec ses origines.Le fond en tissu aux motifs géométriques et colorés ,crée une structure ordonnée qui évoque l'équilibre de l'univers et la place centrale de la femme comme gardienne de la culture et de la vie.
Cette œuvre s'inscrit dans une démarche de renaissance picturale africaine, où l'artiste utilise des matériaux contemporains pour exprimer des concepts immatériels et éternels.

Description de l'œuvre :
Cette œuvre est un portrait de zèbre vibrant et texturé, utilisant la technique de l'upcycling avec des tissus africains (Kinté et Wax).
Voici une description précise de la pièce :
Composition et Matériaux
Le Sujet : Un zèbre représenté de trois-quarts, dont les rayures naturelles sont remplacées par une mosaïque complexe de fragments de tissus.
Les Tissus : L'artiste utilise des chutes de tissus Kinté (aux motifs géométriques tissés) et de Wax aux couleurs éclatantes (bleu, orange, jaune, vert). Ces morceaux sont assemblés pour structurer l'anatomie de l'animal, créant un pelage multicolore et dynamique.
Les Contours : Des lignes de peinture blanche épaisse délimitent la silhouette de l'animal, ses oreilles et ses traits faciaux, apportant du contraste et de la clarté face à l'explosion de motifs internes.
L'Arrière-plan : Un fond gris anthracite, sombre et sobre, qui fait ressortir la luminosité des textiles recyclés. Sur la gauche, des formes végétales stylisées en tissu suggèrent la savane.
Analyse Artistique
Réinvention du Zèbre : En remplaçant le noir et blanc iconique du zèbre par une multitude de couleurs et de motifs culturels, l'artiste célèbre la diversité et la richesse de la faune africaine.
Engagement Écologique : L'utilisation de matières recyclées souligne la volonté de l'artiste de transformer des déchets textiles en une œuvre d'art noble, sensibilisant à la protection de la nature sauvage.

Fusil de chasse
92 cm/30cm
Description de l'œuvre :
Cette œuvre est un bas-relief original et engagé, utilisant l'accumulation de matériaux de récupération pour créer un contraste frappant entre l'objet représenté et son message environnemental.
Voici une description détaillée de la pièce :
Composition et Matériaux
Le Sujet Central : Un fusil de précision avec lunette de visée occupe le centre de la composition. Sa silhouette noire est entièrement façonnée à partir de corps de briquets jetables noirs, minutieusement assemblés pour imiter la structure métallique et plastique de l'arme.
La Crosse : Contrairement au reste du fusil, la crosse est réalisée avec des briquets peint de couleur marron clair, simulant ainsi l'aspect du bois traditionnellement utilisé pour cette partie.
L'Arrière-plan : Le fond est une mosaïque de couleurs rappelant un motif de camouflage (vert, marron, jaune, gris). Cette surface est parsemée de nombreuses empreintes d'animaux (ongulés, félins, oiseaux), créant un lien direct entre l'arme et la faune sauvage.
Analyse Thématique
L'utilisation de briquets jetés dans la nature pour représenter une arme de chasse est une métaphore puissante :
Double Menace : L'œuvre suggère que la pollution par le plastique (symbolisée par les briquets) est une arme tout aussi destructrice pour la biodiversité que le fusil lui-même.
Recyclage Artistique : En transformant des déchets non biodégradables en art, l'artiste dénonce la surconsommation et l'impact de l'homme sur les écosystèmes représentés par les traces de pas.
C'est une pièce qui force à la réflexion sur notre empreinte écologique et la manière dont nos objets du quotidien peuvent devenir des outils de destruction silencieuse pour la nature.

Cette œuvre d'art célèbre l'extase de l'instant présent et la pureté de la joie enfantine à travers un prisme spirituel.
Voici l'essence mystique de cette peinture :L'éveil du cœur : Le visage central exprime une félicité absolue. Ses bras grands ouverts forment un pont entre la Terre et le Ciel, symbolisant une gratitude infinie et une connexion totale avec l'Univers.L'illusion de la matière : L'utilisation du noir et blanc pour le corps de l'enfant transcende la réalité physique. Elle suggère que l'âme pure n'est pas définie par la couleur de peau ou les conditions matérielles, mais par sa lumière intérieure. La transmutation : Le pneu, simple déchet industriel, devient un véhicule de liberté et d'élévation. L'enfant transforme la pauvreté apparente en une richesse émotionnelle et divine absolue.Le chemin de la vie : La piste de terre rouge représente le parcours terrestre. Au loin, d'autres âmes avancent, rappelant que la joie est un choix accessible à chaque étape de notre voyage spirituel.

L'œuvre présente : Les fleurs géantes, façonnées en tissus recyclés, ne sont pas de simples plantes. Elles représentent l'épanouissement spirituel qui naît de la mélodie. Le fait qu'elles soient faites de fragments de pagnes suggère que chaque morceau de vie passée (le recyclage) peut renaître en quelque chose de magnifique et de sacré.

Cette sculpture murale de Ramia Chidiac, intitulée « The King », est une œuvre expressive réalisée à partir de blocs de bois de récupération assemblés et peints.
Voici une description détaillée de l'œuvre :
Composition et structure
Forme générale : L'œuvre prend la forme d'un rectangle vertical évoquant un visage stylisé. Elle repose sur une structure de base en bois peint en vert d'eau (menthe clair).
Éléments de récupération : L'assemblage de divers morceaux de bois — lattes, cubes et petites planches — est clairement visible, créant un relief tridimensionnel et une texture brute.
La couronne : Le sommet est couronné d'un morceau de bois jaune sculpté en trois pointes acérées, identifiant immédiatement le personnage comme un souverain ou une divinité.
Traits du visage
Les yeux : Les yeux sont représentés par deux petits blocs rectangulaires noirs, chacun marqué de deux points blancs horizontaux, conférant à la figure un regard fixe et intense.
Les dents : Le trait le plus frappant est la bouche

Bartskushies 70 cm / 86 cm
Cette œuvre associe peinture et collages texturés. Elle réinterprète la culture populaire à travers des éléments traditionnels.Description de l'imageSujet central : le personnage de Bart Simpson est représenté de manière excentrique et rebelle.Expression : il tire la langue, arbore des dents en or et fait un doigt d'honneur. Effet 3D : Ses yeux imitent des lunettes anaglyphiques (un œil bleu, un œil rouge).Action : Il glisse sur un nuage blanc en utilisant un gobelet géant « Skushies » comme planche de surf.Détail : Il tient une bombe de peinture dans sa main droite pour taguer le nuage. Techniques et matériaux : Arrière-plan : peinture acrylique et à l'huile avec un ciel bleu et des nuages stylisés. Vêtements : collage de véritables morceaux de tissu africain coloré (style wax) pour sa chemise et son short. Textures : les contours noirs épais et les détails (dents, langue) présentent une texture en relief. Signature : l'œuvre est signée par l'artiste « Rania Chidiac » dans le coin inférieur droit.

Magnifique tableau *Le murmure de Dan*
54 cm / 49 cm
Cette œuvre de l'artiste béninoise Ramia Chidiac, réalisée à l'acrylique et à l'huile sur toile, est une exploration profonde de l'identité et de la spiritualité ouest-africaines, mêlant héritage ancestral et modernité.
Voici une analyse de ses symboles spirituels :
1. Le masque et la double vision
Le visage n’est pas représenté de manière naturaliste, mais sous la forme d’un masque géométrique complexe. Dans de nombreuses cultures africaines, le masque n’est pas simplement un déguisement, mais un médium à travers lequel une divinité ou un ancêtre s’incarne.
Yeux multiples : la présence de plusieurs yeux (un œil bleu central et un autre sur la joue) suggère la clairvoyance. Cela évoque la capacité de voir au-delà du monde physique pour percevoir des réalités spirituelles et invisibles.
Motifs blancs : les scarifications et les motifs géométriques tracés en blanc rappellent les peintures rituelles à base de kaolin, symbole de pureté et de lien avec le monde des esprits.
2. Le serpent sacré
L'élément le plus marquant est le serpent enroulé autour du cou.
Symbole de transformation : par sa mue, le serpent incarne la renaissance et le cycle éternel de la vie.
Divinité vaudou : Dans le contexte de l'art béninois, il fait inévitablement référence à Dan, la divinité serpent (ou l'arc-en-ciel) qui assure la continuité du monde, la fertilité et la richesse. Sa présence ici semble protéger l'individu, reliant sa gorge (la parole) à son esprit.
3. Éléments de pouvoir et de richesse
La coquille de cauri : En haut à droite, on aperçoit une coquille de cauri. Autrefois moyen de paiement, c’est aujourd’hui un objet sacré utilisé en divination (le Fa) pour consulter l’avenir. Il symbolise la protection et la prospérité.
Les dents colorées : Le sourire orné de couleurs vives (rappelant des pierres précieuses ou les « grillz » modernes) peut être interprété comme une fusion entre la richesse matérielle contemporaine et la valeur spirituelle de la parole.
4. La dualité des couleurs
Le contraste entre le fond sombre, presque abyssal, et la luminosité du masque crée une tension entre l’inconnu et la connaissance. Le personnage semble émerger de l’obscurité (le néant ou le passé) pour s’affirmer dans une lumière spirituelle.
En résumé, cette œuvre célèbre un être « sublimé » par ses racines. C’est la figure d’un guide ou d’un initié qui porte les emblèmes de sa culture pour naviguer dans le monde moderne sans perdre son âme.

Cette œuvre est une composition sur toile réalisée à l'aide de techniques mixtes, alliant peinture (acrylique et huile) et collage. Description de l'œuvre : Sujet central : une femme noire debout, représentée de face. Elle tient sur la tête une calebasse brune, qu'elle soutient à deux mains. Vêtements et parures : elle est vêtue d’un drapé confectionné à partir d’un tissu africain rouge recyclé orné de motifs géométriques et porte de nombreux bijoux en or (bracelets, boucles d’oreilles, collier). Un voile bleu foncé encadre son visage et tombe sur le côté. Arrière-plan : un fond vert texturé, rendu par de larges coups de pinceau verticaux. En haut, un cercle rouge et orange évoque un soleil rayonnant. Signature : visible dans le coin inférieur gauche sous le nom « Ramia Chidiac ».